A CCXP23revelou um mundo de emoções e surpresas durante o painel da HBO Max. Dos mistérios gelados de “True Detective: Terra Noturna” ao épico nacional de “Cidade de Deus”, o evento trouxe à tona novidades que prometem agitar as telas em 2024.
Além disso, a tão aguardada segunda temporada de “House of The Dragon”, desvendou seus segredos em um trailer que deixou os fãs ansiosos. Vamos explorar os detalhes e as emoções que a HBO Max trouxe para o centro do palco na CCXP23.
Jodie Foster Desvenda Mistérios em “True Detective: Terra Noturna”
A atriz consagrada Jodie Foster roubou a cena ao apresentar a quarta temporada de “True Detective”. Em “Terra Noturna”, ela mergulha nas profundezas do Alasca para investigar mortes misteriosas, dando vida a uma detetive intrépida e complexa.
“Cidade de Deus”: Nacionalismo e Impacto Global
A produção nacional “Cidade de Deus” promete conquistar o público com sua grandiosidade e impacto. O diretor Aly Muritiba brincou com a presença de dragões no palco, indicando que a série nacional está pronta para deixar sua marca global.
“House of The Dragon”: Dragões, Rivalidades e Trailer Revelador
“House of The Dragon”, roubou a cena com um trailer épico. A rivalidade entre Alicent Hightower e Rhaenyra Targaryen, interpretadas por Olivia Cooke e Emma D’Arcy, promete levar os espectadores a um mundo de crueldade, drama e, é claro, dragões.
Contexto Temporal e Antecipação para a Nova Temporada
Com um contexto temporal aproximado de 200 anos antes dos eventos de Game of Thrones, “House of The Dragon” traz uma nova perspectiva ao universo criado por George R. R. Martin. Após uma primeira temporada estreante em agosto de 2022, os fãs aguardam ansiosos a chegada do verão nos Estados Unidos para a próxima temporada, prevista para junho.
Mais Novidades do Universo HBO Max
Além dos destaques mencionados, o painel da HBO Max trouxe ainda mais emoções, incluindo o trailer exclusivo da quarta temporada de “True Detective: Terra Noturna”. A série original brasileira “Cidade de Deus” teve participação especial dos atores e do diretor, prometendo envolver o público em uma trama nacional repleta de impacto.
A HBO Max, com seu leque diversificado de produções, roubou a cena na CCXP23, deixando uma marca duradoura na expectativa dos fãs. O universo da HBO Max está pronto para desbravar novos horizontes, e a CCXP23 foi apenas o começo.
Writing about what you feel or feeling what you have to write about? For Miho Karasawa, better known by her current stage name TRUE, the composition process, especially when it comes to ani-songs, is a two-way street.
Marked by a lot of determination and persistence, the artist’s musical journey began as an idol in the group Five Star Girl, an attempt that didn’t last long. Shortly after, she persisted, this time with the group NITRO, but also without much success. In 2000, Miho was signed by the record label Pony Canyon and finally made her solo debut in pop music.
Between the years 2011 and 2013, she decided to take a break from her singing career, focusing on working as a lyricist for various artists. In 2014, when she returned to the stage, she took on the pseudonym TRUE and quickly won over the audience with her voice and creativity in the openings of successful anime.
In a conversation with Suco de Mangá, TRUE talks more about her relationship with the anime she has worked on and describes the behind-the-scenes creation of her lyrics, always emotional and touching, that have left a mark on the lives of numerous fans of Japanese animations around the world. Want to take a peek into the mind of this brilliant artist? Keep reading today’s Suco Interview!
Interview with TRUE
You already have a solid career in the world of anime music, communicating quite effectively through your melodies and lyrics with a young audience (primarily). How does ‘Ensemble,’ your new work, continue this?
Ensemble is a song filled with the joy of playing music together and accomplishing something with someone else. As I was taught once again at an anime live performance, when everyone sings and claps together, we are naturally in tune with the person next to us. This is true for ensemble compositions and brass band compositions as well, but the first step is to listen carefully to the sounds of those close to you and match them to your own, listening to their breathing. This should be the starting point. The joy of music lies in the sounds that cannot be played by one person alone. I think this is why this song might be able to resonate with a lot of people.
Taking this “hook” about emotions and feelings, we would like to know: how do you see the relationship between music and emotion—especially your own emotions—in your compositions for anime?
Some of my answers overlap with a previous question, but I don’t think it is necessary for the worldview of the work and the lyrics to match 100%. (What should match 100% is the character song.)
What’s important is that I am the one singing. Therefore, what matters is myself as a person and that listeners can relate to that person.
What’s important in a song is not how relatable the lyrics are, but how real the artist is.
I think that’s what makes music amazing. So I write lyrics that resonate with me and my emotions, with words that are true to myself.
What are the musical elements that you consider essential when creating songs for anime?
An essential musical element is respect for tie-up works. If there is a tie-up, I make an effort to thoroughly read and understand the work. However, I do not write songs just for the sake of the work, but I try to write lyrics in my own words based on my understanding of the work. People tend to think of ani-songs as songs that are written only for the artwork, but since I am not writing character songs, I believe that the worldview of the lyrics does not have to be 100% the same as the content. I think that ani-songs are a combination of various sentences, and that they expand and expand, so it is just a matter of singing about myself. I aim to be a bridge between the work and the audience.
Do you have the habit of watching the anime for which you create opening songs? If so, which one is your favorite?
Of course I’ve seen them all! I can’t choose one because they all have a special place in my heart, but in Japan, being involved in a theme song for a robot anime gives you somewhat of a status, and it was a major turning point in my career to be involved in the Gundam series as a singer and in the Macross series as a lyricist! I am very happy to have been involved in this project.
If you can’t watch the anime before composing the music, how does the process of immersing yourself in the anime’s universe work so that you create something coherent and perfectly aligned with the message the anime intends to convey to the viewers?
I try to understand the work by thoroughly reading the scenario, storyboards, and the original work, if there is an original work. The most important thing is dialogue. The director, music producer, director, etc. all get together and work out the image we have of the anime.
What is your favorite song that you’ve created for an anime? Why?
It is difficult to single out one work as they are all very important to me, but the songs I have written for Sound! Euphonium, Violet Evergarden and That Time I Got Reincarnated as a Slime are particularly special to me because of my long involvement with these works.
Among them, Sincerely, the theme song for the anime Violet Evergarden, was the song that introduced me to people around the world, so I consider it even more important. I always try to sing it on stage in every country.
How does it feel to continue contributing to the Hibike! Euphonium universe after eight years since ‘DREAM SOLISTER‘, your first collaboration with the anime?
This is the fourth work following DREAM SOLISTER, SOUNDSCAPE, and Blast!. The theme song for Sound! Euphonium, which is sung by the ensemble, is the first completely new work in four years. My story as an artist cannot be told without Sound! Euphonium. This is a work that has changed my musical life that much. I am very happy to be able to participate in this again.
Lastly, Suco de Mangáwould like to know: why did you decide to adopt TRUE as your stage name? Based on your answers and your works, it’s evident that this is a name very loyal to who you are as a person and artist.
During my long career, I have taken various detours to get where I am. The word “detour” may have a negative image, but I believe it was necessary for me. In the midst of all these detours in my music career, I met the producer of my current label and he told me:
“This is the true place where you can express yourself as you are”. This is when I was given the name TRUE.
Suco de Mangá thanks TRUE and her team for the opportunity to talk to such an authentic artist, and, like many fans of ani-songs full of emotion and sentimentality, looks forward to checking out TRUE’s upcoming works!
Dezembro chegou e com o mês natalino vem ai muita novidade. Após muitos meses de aguardo e ansiedade por parte de muitos, o tão esperado Spin off de ”A Fantastica Fabrica de Chocolate”, Wonka, chega aos cinemas prometendo um banho de nostalgia e uma nova cara para um dos personagens mais emblemáticos dos anos 2000, Willy Wonka.
Nessa nova trama, acompanhamos o queridíssimo Willy Wonka (Timothée Chalamet) iniciando sua jornada na indústria dos chocolates. Mas o Wonka só não contava que teria que enfrentar obstáculos gigantes para alcançar o seu sonho de fazer os melhores chocolates que o mundo já viu.
Wonka é o longa que chega despretensioso mas ao mesmo tempo sendo um feito e tanto. É o tipo de narrativa que além de ter um enredo base interessante, também chama atenção pela sua nostalgia em reviver um personagem que fez parte da juventude de muitos jovens por todo o mundo, e que nesse quesito, com certeza não falha.
Apesar do seu roteiro ser bobo e sem muita ambição, Wonka consegue manter sua historia coesa e trás bem a premissa proposta pelos seus personagens. Sendo um filme de relativamente curto, o longa consegue buscar e explorar bem suas ideias e conclui-las antes mesmo de que possamos sentir falta de algo, o que claro, já é um ponto extremamente positivo. Mesmo o roteiro sendo totalmente mamão com açúcar, a execução do proprio é tão satisfatória que o torna maior do que de fato é, e claro, isso é ótimo.
Além da narrativa ser bem abordada, outro ponto crucial para o acerto definitivo de Wonka é o fator nostalgia. Mesmo que não temos muito do Wonka que conhecemos na interpretação do Johnny Depp, o Timothée faz um ótimo trabalho com o personagem que já é agraciado pela cultura pop e o torna mais uma vez marcante para antigos e velhos espectadores desse espetáculo pra lá de doce.
Além de tudo isso, fui pego desprevenido com um musical que consegue ser agradável para o momento, mas que infelizmente não trás musicas de impacto que possam ficar cravadas em nossas mentes (com a exceção de uma muito especifica que vocês saberão exatamente de qual eu falo no momento). ~Oompa Loompa Oompa Loompa~
A direção de Paul King é sem duvidas o ponto crucial para esse longa funcionar. Trazendo um universo totalmente magico e fantasioso, a utilização do CGI junto a momentos totalmente fortuno para favorecer aquele lindo universo é o fator chave para a aventura ser linda. Existem momentos durante o longa que não resta nada a não ser admirar e se sentir encantado com todo aquele show que é transmitido na tela. Wonka sem duvidas dá aulas nesse quesito e acaba ficando de lição para muitos longas que tentam o mesmo e falham por não saber seus próprios limites.
Já falando sobre o elenco, que convenhamos, é composto por estrelas, eu não poderia dá destaque a outra pessoa a não ser a queridíssima Calah Lane(Noodle),que deu vida a uma personagem extremamente carismática e adorável que consegue conquistar o coração de todos. É sem duvidas a melhor adição do filme ao lado do nobríssimo Timothée Chalamet que conseguiu reviver o Willy Wonka sem conturbar a imagem dos antecessores que já assumiram esse papel. O Timothée com certeza conseguiu o seu destaque e futuramente será lembrado por ele.
Por fim, Wonka é um daqueles longas que chegam sem muita pretensão mas acabam conquistando o coração do publico por ser completamente carismático e doce. Apesar de não ter um roteiro complexo, a narrativa consegue explorar bem cada lacuna proposta e tornar a experiência um tanto quanto gratificante. E claro, sem deixar de notar que não tinha momento melhor para esse longa ser lançado a não ser no natal. Mesmo que não seja um filme que se enquadre diretamente no gênero de filmes natalinos, ele consegue pescar vários elementos que fomentam essa época e acaba se tornando uma otima opção para quem curte esses filmes. Com certeza essa é a melhor opção de dezembro para você que já gosta de um filme natalino.
Escrever sobre o que sente ou sentir o que escreve? Para Miho Karasawa, mais conhecida pelo seu nome artístico atual TRUE, o processo de composição, principalmente quando falamos da ani-songs, é uma via de mão dupla.
Marcada por muita garra e persistência, a vida musical da artista começou como idol no grupo Five Star Girl, uma tentativa que não durou muito tempo. Pouco tempo depois, persistiu, desta vez com o grupo NITRO, mas também sem muito sucesso. Em 2000, Miho foi contratada pela gravadora Pony Canyon e finalmente teve sua estreia solo na música pop.
Entre os anos 2011 e 2013, decidiu fazer uma pausa em sua carreira de cantora, trabalhando como letrista para diversos artistas. Já em 2014, quando retornou aos palcos, assumiu o pseudônimo TRUE e, rapidamente, conquistou o público com sua voz e criatividade nas aberturas de animes de sucesso.
Em uma conversa com o Suco de Mangá, TRUE fala mais sobre sua relação com os animes para os quais já trabalhou e descreve os bastidores de criação de suas obras, sempre sentimentais e tocantes, que marcaram a vida de diversos fãs de animações japonesas ao redor do mundo.
Quer dar uma espiadinha no que se passa nesta mente brilhante? Continue conosco no Suco Entrevista de hoje!
Entrevista com TRUE
Você já tem uma sólida carreira no mundo das músicas de anime, conversando muito bem, através de suas melodias e letras, com o público jovem (principalmente). Como Ensemble, seu novo trabalho, dá continuidade a isso?
Ensemble é uma música repleta da “alegria de tocar música junto” e de realizar algo com alguém. Em uma apresentação de anime ao vivo, quando todos cantam e aplaudem juntos, estamos naturalmente em sintonia com a pessoa ao nosso lado. Isso é o que funciona para composições em conjunto e composições de banda de metal também, mas o primeiro passo é ouvir atentamente os sons daqueles que estão próximos a você e combiná-los com os seus próprios, prestando atenção, por exemplo, em sua respiração. Isso deve ser o ponto de partida. A alegria da música está nos sons que não podem ser tocados por uma única pessoa. Acredito que é por isso que esta música pode ressoar com muitas pessoas.
Aproveitando este “gancho” sobre emoções e sentimentos, gostaríamos de saber: como você vê a relação entre música e emoção – em especial, suas próprias emoções – em suas composições para animes?
Algumas de minhas respostas vão acabar coincidindo com a de uma pergunta anterior, mas não acho que seja necessário que a visão de mundo presente na obra e a letra da música coincidam 100%. Na minha opinião, o que deve corresponder 100% é a música do personagem.
O importante é que sou eu quem está cantando. Portanto, o que importa sou eu como pessoa e que os ouvintes possam se identificar com essa pessoa.
O importante em uma música não é o quanto a letra é identificável, mas o quanto o artista é real.
Acho que é isso que torna a música incrível. Portanto, escrevo letras que ressoam em mim e em minhas emoções, com palavras que são verdadeiras para mim.
Quais são os elementos musicais que você considera essenciais ao criar músicas para anime?
Considero que um elemento musical essencial ao criar músicas para animes seja o respeito pelas obras vinculadas. Se houver uma ligação, faço um esforço para ler e entender completamente a obra. No entanto, não escrevo músicas apenas por causa da obra, mas tento escrever letras com minhas próprias palavras com base no meu entendimento da obra.
As pessoas tendem a pensar nas ani-songs como músicas escritas apenas para a obra de arte, mas como não estou escrevendo músicas de personagens, acredito que a visão de mundo das letras não precisa ser 100% igual ao conteúdo. Acho que as ani-songs são uma combinação de várias frases, e que elas se expandem e se expandem, então é apenas uma questão de cantar sobre mim mesmo. Meu objetivo é ser uma ponte entre o trabalho e o público.
Você tem o costume de assistir aos animes para os quais você faz músicas de abertura? Se sim, qual é o seu favorito?
É claro! Eu já vi todos eles! Não posso escolher um, pois todos têm um lugar especial no meu coração. Mas no Japão, estar envolvido em uma música tema de um anime de robôs lhe dá um certo status, e foi um grande ponto de virada na minha carreira estar envolvida em Gundam como cantora e em Macross como letrista! Estou muito feliz por ter participado desse projeto.
Caso você não consiga assisti-lo antes de compor a música, como funciona o processo de imersão no universo do anime para que você crie algo coerente e que combine perfeitamente com a mensagem que o anime quer passar aos espectadores?
Tento entender o trabalho lendo minuciosamente o cenário, os storyboards e o trabalho original, se houver um trabalho original. O mais importante é o diálogo. O diretor, o produtor musical e outros envolvidos se reúnem e elaboram a imagem que temos do anime.
Qual é a sua música favorita que você já criou para um anime? Por quê?
Ah, é difícil destacar um trabalho, pois todos são muito importantes para mim. Se eu precisasse escolher, diria que as músicas que escrevi para Sound! Euphonium, Violet Evergarden e That Time I Got Reincarnated as a Slime são particularmente especiais para mim devido ao meu longo envolvimento com esses trabalhos.
Entre elas,Sincerely, a música-tema do anime Violet Evergarden, foi a música que me apresentou a pessoas do mundo todo, por isso a considero ainda mais importante. Sempre tento cantá-la no palco em todos os países.
Qual é a sensação de continuar contribuindo para o universo de Hibike! Euphonium após oito anos de DREAM SOLISTER?
Esse é o quarto trabalho após DREAM SOLISTER, SOUNDSCAPE e Blast!. A música tema de Sound! Euphonium, que é cantada pelo conjunto, é o primeiro trabalho completamente novo em quatro anos. Minha história como artista não pode ser contada sem o “Sound! Euphonium”.Esse é um trabalho que mudou muito minha vida musical. Estou muito feliz por poder participar disso novamente.
Por último, o Suco de Mangá gostaria de saber: por que você decidiu adotar TRUE como seu nome artístico? Com base nas suas respostas e seus trabalhos, é evidente que este é um nome bem fiel à quem você é como pessoa e artista.
Durante minha longa carreira, fiz vários desvios para chegar onde estou. Para alguns, a palavra “desvio” pode ter uma imagem negativa, mas acredito que foi necessário para mim. Em meio a todos esses desvios em minha carreira musical, conheci o produtor da minha gravadora atual e ele me disse:
“Este é o verdadeiro lugar onde você pode se expressar como é”. Foi quando me deram o nome TRUE.
O Suquinho agradece pela oportunidade de conversar com uma artista tão autêntica e, assim como muitos fãs de ani-songs repletas de emoção e sentimentalismo, está ansioso para conferir os próximos trabalhos de TRUE!
Durante a CCXP23, o espaço da Akiba Station se transformou em um paraíso para os colecionadores e amantes de figures. Acontecendo no São Paulo Expo, na cidade de São Paulo, entre os dias 29 de novembro e 3 de dezembro, o evento foi repleto de uma diversidade impressionante de itens, destacando-se especialmente os gashapon.
Os visitantes se encantaram com a variedade de opções proporcionadas pela Akiba Station, desde miniaturas colecionáveis de personagens favoritos até réplicas detalhadas de ícones de animes e mangás, a oferta atendia a todos os gostos e orçamentos, desde os mais acessíveis até os mais exclusivos.
Os gashapon, por sua vez, foram uma fonte de diversão, permitindo que os fãs colecionassem diferentes personagens em uma ampla faixa de preços. Trocar com os amigos? Com certeza, uma prática incentivada!
A Akiba Station, com sua vasta seleção de colecionáveis e figures, consolidou-se como um ponto de encontro imperdível para os entusiastas da cultura pop durante a CCXP23. Se você é um verdadeiro apaixonado por figures, esta é a sua oportunidade de encontrar tesouros autênticos da cultura otaku!
Uma das maiores bandas de power metal do mundo está de volta. Angra retorna a Salvador no próximo dia 10 de dezembro para a apresentação de sua nova turnê apresentando seu mais atual lançamento, o Cycles of Pain. O show está confirmadíssimo para acontecer na antiga Área Verde do Othon, em Ondina, a partir das 16h.
O show, que também resgata clássicos da carreira de mais de 30 anos, é inspirado no 10º álbum de estúdio da banda, que retrata dores pessoais dos seus membros, e mantém a essência dos músicos de unir o peso do metal a influências da música brasileira e à sofisticação erudita.
Andreoli contextualiza:
‘Cycles Of Pain’ traz diversas perspectivas sobre a dor humana e os ciclos que a envolvem. Nos lembra que, embora a dor seja inevitável, ela também é parte integrante do crescimento e aprendizado. Ao reconhecer e enfrentar esses ciclos, podemos descobrir nossa força interior e encontrar um caminho para a cura e a transformação
Os assinantes do Disney+ vão receber um verdadeiro presente de final de ano no dia 16 de dezembro a partir das 21h15. Afinal, o último show no Brasil da turnê Got Back de Paul McCartney terá transmissão ao vivo nas duas plataformas de streaming da Disney.
O show acontece no Estádio do Maracanã, no Rio de Janeiro. Assim, será uma oportunidade para os fãs de todas as partes do país de curtirem e vivenciarem esse momento inesquecível de um dos maiores astros da música global. Além disso, é a primeira transmissão do Disney+ de um show ao vivo realizado no Brasil.
A transmissão, que envolverá mais de 150 profissionais, será uma verdadeira celebração audiovisual. Afinal, várias câmera estão preparadas para garantir que os espectadores tenham uma experiência imersiva única, complementada por um som de altíssima qualidade. A cobertura terá início a partir das 21h15.
Renato D’Angelo, gerente geral da Disney Brasil, expressou sua empolgação com a estreia da transmissão de shows:
Estamos muito felizes em estrear a transmissão ao vivo de shows com essa apresentação icônica de Paul McCartney, reforçando nosso compromisso em oferecer experiências únicas e exclusivas para que o público brasileiro tenha acesso de qualquer lugar
Além da transmissão no Disney+, os assinantes também poderão assistir o show do Paul McCartney no Star+, no mesmo dia e horário.
Há um fenômeno de interpolação de estilo entre obras audiovisuais ocidentais e séries e filmes produzidos no contexto asiático de BL (boys love) que vem chamando a atenção. Projetos recentes como Heartstopper, Young Royals, Love, Victor e, até mesmo, Vermelho, Branco e Sangue Azul espelham o imaginário de obras que são – na maior parte das vezes – adaptações literárias enxutas demais.
Quem acompanha BL sabe que a grande maioria das webséries tem origem tanto em novels (narrativa que transita entre conto e romance) quanto em quadrinhos (manhwa, yaoi, etc.), e que por isso precisam ser, quando lançadas, altamente generalistas, principalmente para se adaptar ao consumo imediato, gerando lucro para futuras produções do gênero
O formato
Nesse processo, grande parte da obra original acaba se perdendo, não pelo que já sabemos sobre a necessidade de mudanças em uma adaptação cinematográfica, mas por uma questão natural daquele cenário. Simbolizando um formato que, para quem não consome BL, acaba sendo um dos maiores pontos negativos na hora de analisar o que há de bom ou ruim em uma adaptação. Em outras palavras, qualquer um que não seja familiarizado com os BLs iria ter um treco quando soubesse dos malabarismos feitos para despedaçar uma narrativa e criar uma adaptação com aquilo que sobrou dela.
Se não bastasse esse formato, hoje utilizado em muitas séries e filmes do ocidente com temática LGBTQIA+, e que remetem a uma vertente do entretenimento asiático, produções como Os Segredos do Universo por Aristóteles e Dante, acabam sendo — na melhor das hipóteses — um grande triunfo exemplar para quem assiste BL, ou um completo horror para quem não faz ideia desse processamento. Essa dualidade de ser ruim para uns e extremamente bom para outros é a máxima que norteia o filme.
Pessoalmente, como leitor do livro responsável por esta produção, o filme corresponde bem ao seu cerne enquanto obra enraizada na paraliteratura. Ou seja, as expectativas não devem, em hipótese alguma, basear-se em obras de temática queer como as realizadas no passado ou até o final da década de 2010, como Brokeback Mountain ou Call Me By Your Name.
Novo espécime
Os Segredos do Universo por Aristóteles e Dante insere-se, portanto, neste novo exemplar cine-literário que, objetivamente, tende a ser simples, rápido e profundamente aliado aos maneirismos da dramaturgia LGBTQIA+. E não há como negar que isso, em parte, acaba dando certo. O filme acerta, com boas atuações de Max Pelayo e Reese Gonzales, em uma atmosfera solar e tipicamente preocupante de um romance coming-of-age.
É muito representativo, ainda que isso se deva à narrativa e não ao longa-metragem e seu roteiro, que às vezes é muito raso — outra característica que lembra muito os BLs por natureza. Mas, como esta adaptação não se insere no referido contexto das produções asiáticas, Os Segredos do Universo por Aristóteles e Dante só precisa servir de volume ao imenso interesse da indústria em aproveitar a exigência do público que cada vez mais anseia por peças desse tipo.
Hollywood está em declínio, perdeu o sentido de orientação há muito tempo, por isso não seria suspeito ou irrealista pensar que filmes como este — longe de grandes orçamentos e grandes estúdios — também partam do que outros polos cinematográficos do mundo tem a oferecer.
